“33 Giri Italian Master”

Un ricordo non è mai un fatto nudo e crudo, è invece soprattutto un affetto e in quanto tale può essere ricordato o rimosso, ma non viene mai davvero completamente obliato. Così come analista e paziente non possono sottrarsi all’emozione del riaffiorare in seduta di un affetto legato a un ricordo che si pensava di-menticato (proprio nel senso etimologico di “fatto uscire dalla mente” e solo da quella) in qualche puntata di questa serie possiamo assistere emozionati anche noi al riemergere di dettagli perduti e dimenticati dagli autori stessi o da persone a loro vicine.

Chi ama la musica difficilmente resterà impassibile di fronte alla commozione di uno dei figli di Ivan Graziani, musicista anch’esso che ha perso il padre da giovane, quando sui nastri di “Pigro” viene scoperta un’out-take, cioè un brano completamente inedito ma scartato dalla scelta finale di quelli presenti sul disco e a lui totalmente sconosciuto. Un tempo questa era una prassi molto comune e visto che alcuni artisti potevano trascorrere anche mesi in sala di registrazione non era infrequente che i più prolifici registrassero decine di brani oltre a quelli poi effettivamente pubblicati.

Un esempio tra i tanti: Bruce Springsteen, che per “Darkness On The Edge Of Town” aveva registrato più di duecento pezzi, molti dei quali hanno visto la luce in seguito, ma la lista è davvero ben nutrita e va da Bob Dylan ai Beatles, ai Rolling Stones solo per citarne alcuni.

Un’altra chicca è rappresentata dalle alternate-take, ovvero versioni alternative di brani conosciuti perché pubblicati, ma magari qui registrate in versioni completamente stravolte nella tonalità, nel tempo di esecuzione e a volte persino nel testo.

Personalmente trovo interessante poter osservare come si snoda il processo creativo che ha portato alla nascita di un pezzo e come questo sia frutto di tutta una serie di scelte in parte volute fortemente e in parte apparentemente casuali, proprio come accade nella vita. In analisi si dice che nessuna seduta potrà mai essere uguale ad un’altra, nemmeno se paziente e analista sono gli stessi perché ogni momento è unico, hic et nunc, proprio come nel jazz dove ogni esecuzione resta estemporanea ed irripetibile.

Nella puntata dedicata al monumentale Crêuza de mä di Fabrizio De André, da molti considerato uno dei primi dischi di world music, si può ascoltare Mauro Pagani della mitica PFM suonare in diretta e poi raccontare la scelta degli strumenti a corda usati in molti dei brani dell’album. Strumenti che lui stesso aveva conosciuto dopo anni di ricerche spese nel bacino del Mediterraneo tra nord Africa, Balcani, Grecia e medio oriente e che poi aveva riportato con sé al ritorno in Italia.

È il primo e unico disco di Faber non in italiano perché l’autore avrebbe voluto fosse apolide e senza confini e per questo aveva pensato alla creazione di una sorta di esperanto, una specie di grammelot che gli permettesse di emanciparsi dalla riconoscibile nazionalità di una lingua già nota. Ben presto si accorse però insieme alla band, che lo strettissimo dialetto genovese, qua e là opportunamente modificato, serviva egregiamente allo scopo perché ricco di dittonghi, iati e parole tronche che «li puoi allungare e accorciare quasi come il grido di un gabbiano» [1].

Un eccellente esempio lo possiamo ascoltare fin dalle note di chiusura della title-track in cui alla musica e al cantato dialettale si sovrappone progressivamente il salmodiare ritmato di una donna insieme ad altre voci e rumori che poi i membri della PFM sveleranno essere registrati dal vivo al mercato del pesce di Genova: «e fortuna che la signora parlava e gridava in Re che è la stessa tonalità che avevamo scelto per la canzone!».

Ascoltando singole tracce, come dicevo, si riescono a cogliere particolari precedentemente nascosti, come il suono del barattolo di fagioli secchi che il batterista Walter Calloni aveva trovato poco prima nella cucina al piano di sopra. De André e la PFM stavano registrando in piena notte nella taverna della casa di Mauro Pagani quando il batterista, provato dai morsi della fame (proprio come nella stanza d’analisi anche nello studio di registrazione il tempo spesso scorre diversamente dal mondo reale) e dai rimproveri di Faber che non voleva “costose maracas” e soluzioni raffinate per quel progetto, si era spinto fino in cucina dove aveva trovato i suddetti fagioli secchi e prima di mangiarseli aveva pensato bene di usarli come strumento a percussione, ma dal suono più popolare.

È solo un esempio tra i tanti e visto che le stagioni di questo format alla fine sono diventate cinque, ce n’è davvero per tutti i gusti: da Lucio Battisti a Pino Daniele, passando per Ivano Fossati e Paolo Conte e altri ancora, con un punto di vista più vicino al cantautorato nelle prime stagioni, per poi spingersi fino alle band e ad altri progetti nelle serie più recenti, come “Tabula Rasa Elettrificata” del CSI o “BMS” l’album omonimo del Banco Del Mutuo Soccorso, o anche “Arbeit Macht Frei” degli AREA, tutti lavori sperimentali e innovativi.

Se infatti David Byrne in un’intervista a Rolling Stone aveva messo “Crêuza de mä” tra i dischi più importanti degli anni ottanta e primo esperimento in assoluto di World Music, perché giunto due anni prima di “Graceland” di Paul Simon e quattro anni prima di “Passion” di Peter Gabriel, è un piacere constatare anche attraverso le testimonianze dirette di queste band quanto la musica italiana fosse di avanguardia anche in settori apparentemente meno frequentati come il progressive-rock.

Trentacinque episodi trasmessi lungo l’arco di cinque stagioni con la possibilità di spaziare tra generi e interpreti diversissimi rendono inevitabilmente alcune puntate più interessanti di altre a seconda dell’interesse o dei gusti personali. Un format abbastanza agile della durata di quarantacinque minuti circa, curiosamente la durata di una seduta, non permetterà mai di scendere troppo nei dettagli né di analizzare ogni brano del disco scelto, ma in compenso nemmeno di annoiarsi o di restare incastrati in tecnicismi per addetti ai lavori.